Instax & groupes indé : Zak Goodwin et la photographie instantanée de concerts
1Ce n'est pas tous les jours que l'on rencontre quelqu'un qui est aussi passionné par la capture du chaos des concerts live avec un médium lent comme la photographie instantanée. Mais pour Zak Goodwin, cinéaste et photographe de concerts, ces deux mondes se croisent régulièrement. Des rencontres fortuites lors de pendaisons de crémaillère aux longues expositions capturées avec le Lomo'Instant Wide dans l'ambiance électrique des salles de concert, Zak a le talent de mêler la magie imprévisible de la musique live à la précision réfléchie de la photographie instantanée. Nous avons discuté avec lui de ses appareils photo, du chaos créatif, et de pourquoi les bordures de film sont pour ceux qui ont peur de se salir les mains.
Salut Zak, bienvenue dans le magazine Lomography ! Peux-tu nous parler un peu de toi et de ton travail en photographie ?
Je suis né et j'ai grandi à Lubbock, au Texas, et je suis venu à New York en 2017 pour mes études. J'ai étudié le cinéma à l'Université de New York et je suis resté depuis. Bien que j'aie un penchant pour la photographie, le cinéma est ma véritable passion. C'est là que se trouvent la plupart de mes influences, et mon objectif est de devenir réalisateur un jour. La photographie, en revanche, est un passe-temps beaucoup plus pratique. Je me concentre principalement sur les concerts et les coulisses.
Qu'est-ce qui t'a poussé vers la photographie de concert ?
Comme beaucoup de bonnes choses dans ma vie, ça a commencé par hasard. J'avais déjà pris des photos pour des amis musiciens, mais ce n'était pas vraiment mon domaine de prédilection. Je photographiais juste mes amis ou ce qui attirait mon regard. Tout a vraiment débuté lors d'une pendaison de crémaillère où je me suis incrusté. J'ai rencontré quelqu'un qui est devenu un bon ami et qui m'a invité à un concert de son groupe le lendemain. J'ai apporté mon appareil photo, et le groupe a adoré les photos. Ça m'a donné la confiance nécessaire pour continuer. À New York, il y a des milliers de groupes, et ils semblent tous se connaître. Tu vas à un concert pour photographier un groupe, et tu finis par en rencontrer deux autres. Tout s'est enchaîné naturellement à partir de là.
Pourquoi choisir de prendre des photos instantanées pour un événement aussi rapide et plein d'action qu'un concert ?
En plus de mon goût pour l'esthétique de la photo instantanée, je trouve que cet aspect se marie bien avec les événements en direct. L'un des charmes des photos instantanées, c'est la satisfaction immédiate : tu vois ta photo en quelques minutes, et surtout, ton sujet peut la voir très rapidement. Ça les rassure de savoir que quelqu'un a bien capturé l'événement. Ça les fait aussi se sentir plus impliqués, comme s'ils participaient à quelque chose avec toi, plutôt que d'avoir l'impression que tu es juste un observateur.
Tu utilises beaucoup le Lomo'Instant Wide pour tes photos de concert. Qu'est-ce qui t'a attiré vers cet appareil ?
Mon intérêt pour l'appareil photo Lomo est venu par hasard. J'ai commencé à utiliser des appareils Polaroid à 18 ans, grâce à mon colocataire de première année qui avait créé un mur de photos dans notre chambre. J'ai utilisé un Fujifilm Instax Mini pendant des années, mais tout a changé il y a quelques années quand j'ai rencontré un autre photographe lors d'une soirée. Il avait un Lomo'Instant Wide et m'a montré ce qu'il pouvait faire en prenant une longue exposition de moi et de mon ami, en agitant une lumière au-dessus de nos têtes. La photo avait des traînées de lumière presque psychédéliques, juste avec un simple mouvement de lumière et un réglage basique de l'appareil. Ça m'a vraiment impressionné. Le lendemain, j'ai commandé un Lomo'Instant Wide, et c'est devenu mon appareil préféré depuis.
Comment la possibilité du Lomo'Instant Wide à utiliser des objectifs grand-angle influence-t-elle ta capacité à capturer l'énergie et l'ampleur d'un concert en live, surtout dans des espaces restreints ou bondés ?
Le format photo offre déjà beaucoup plus d'espace pour s'amuser, et avec un objectif grand-angle, tu peux créer des compositions plus dynamiques. Il y a un champ de vision plus large pour capturer plus de personnes et d'actions. Tu peux vraiment saisir la dynamique d'un groupe de musique. Mais je pense que ça aide surtout pour les portraits et les photos individuelles. Tu obtiens une image beaucoup plus détaillée du sujet.
As-tu rencontré des défis spécifiques en utilisant le Lomo'Instant Wide lors de concerts, comme la mise au point ou la capture de sujets en mouvement rapide ? Comment contournes-tu ces défis ?
L'éclairage est toujours un problème quand on travaille avec de la pellicule. En plus, tu veux créer une image dynamique et intéressante. Disons simplement que mon travail est mille fois plus facile si la salle de concert fait des trucs sympas avec les lumières. Ça te mène déjà à 75% d'une super photo, selon moi. La distance est un autre obstacle majeur. L'appareil fait généralement la mise au point sur ce qui est juste devant lui, donc tu fais presque des calculs dans ta tête quand tu composes une photo. Tu essaies de déterminer où la lumière va rebondir sur les personnes devant toi ou si elle va atteindre ce que tu veux capturer. Le problème, c'est que dans un concert, tu as souvent à peine 5 secondes pour prendre cette décision, alors tu pries et tu suis ton instinct.
Mais l'autre problème, c'est que tu photographies des sujets en mouvement. En pratique, un groupe énergique va beaucoup bouger, et tu te demandes comment capturer ce mouvement dans un concert avec un médium qui ne le permet pas immédiatement. Mon astuce, ce sont les longues expositions. Si tu pousses jusqu'à la limite de la surexposition et que tu déclenches, tu obtiens un effet multiplicateur où toutes les traînées de lumière qui rebondissaient et tous les mouvements de ton sujet pendant qu'il jouait de la guitare ou bougeait les mains sont capturés dans l'image. Tu te retrouves avec des sortes de fantômes, ou un sujet dont le corps semble sculpté par la lumière.
Quelles sont les fonctions créatives de l'appareil que tu utilises régulièrement ?
Le mode Bulb est mon meilleur ami. On pourrait même dire que c'est ma béquille. J'en suis accro comme à une drogue. J'essaie aussi de plus en plus d'exploiter la fonction de double exposition. Je pense qu'il y a encore beaucoup de possibilités intéressantes à explorer.
Est-ce que le fait d'être limité à 10 photos par paquet te rend plus précautionneux lorsque tu prends des photos ? Ou est-ce que tu prends des photos dès que tu vois quelque chose de cool se passer ?
C'est un équilibre. D'un côté, tu gardes toujours un œil sur le nombre de photos qu'il te reste, surtout quand tu arrives à la fin du paquet. Mais d'un autre côté, tu ne peux pas être trop précautionneux. D'après mon expérience, si tu attends le moment parfait, il te passe sous le nez 90 % du temps. Beaucoup de mes photos préférées ont été prises au milieu d'une série de clichés. Au final, une chose est sûre : je repars rarement d'un concert avec des instantanés non utilisés. Que je prenne 10 ou 100 photos, j'aurais toujours aimé en avoir plus.
Quels sont tes conseils pour prendre des photos instantanées dans des conditions d'éclairage variées ?
Il faut savoir évaluer rapidement une pièce. Si l'éclairage est vif ou minimal, opte pour des longues expositions. Si c'est plat ou uniforme, c'est le cadrage qui te permettra d'obtenir quelque chose de dynamique. N'hésite pas non plus à ajouter ta propre lumière, même une lampe torche d'iPhone peut créer une deuxième source de lumière.
Tu découpes volontairement les bordures des photos instantanées. Y a-t-il une raison artistique particulière ?
C'est quelque chose que j'ai toujours fait. Si je devais m'auto-analyser, je dirais que c'est une manière inconsciente d'aller à contre-courant de la tendance que je voyais en ligne, où les gens affichaient leurs Polaroids. La bordure blanche est la signature, et pour moi, ceux qui la montrent le font de manière affectée, comme pour dire "regardez, on prend des Polaroids, c'est mignon". Mais les photos instantanées devraient être traitées comme n'importe quel autre format : ce qui compte, c'est ce qu'il y a dans le cadre, pas la bordure.
Quels conseils donnerais-tu à un aspirant photographe de concert en argentique ?
Approche-toi au maximum. Le premier rang est ton meilleur allié. C'est là que les moments intimes se révèlent. Tu devras peut-être te frayer un chemin parmi les fans, mais tu captures un instant unique qui ne se reproduira jamais, et ils seront reconnaissants que tu aies été là. Et n'oublie pas, tu n'auras jamais assez de pellicule, alors prépare-toi à ça, mais emporte toujours plus si possible.
Pourquoi continues-tu à photographier en argentique à l'ère du numérique ?
L'esthétique est la première chose qui me vient à l'esprit. Je ne rejette pas le numérique ; il y a des photographes qui font des choses incroyables avec ce format, et je les admire. Mais beaucoup de ce qui rend une photo numérique belle se fait en post-production. J'aime l'idée que l'analogique capture une réaction chimique instantanée, gravée dans le temps. Ça te pousse à être créatif. Avoir trop de choix peut te paralyser. Les limitations de la pellicule et de l'appareil te forcent à faire des choix qui rendent tes photos plus intéressantes.
Qu'est-ce qui constitue, selon toi, la photo de concert parfaite ?
Il y a deux éléments, mais ils sont liés. Le premier, c'est l'intimité. En tant que spectateur, tu regardes une performance de loin ; la photo doit avoir une certaine immédiateté. Je ne parle pas seulement de gros plans, mais elle doit donner l'impression que tu vois quelque chose de privilégié. Le second, c'est l'émotion : il ne s'agit pas seulement de capturer l'ambiance de la performance, mais de révéler quelque chose de vrai qui n'est pas immédiatement apparent. Dans les deux cas, tu dois offrir au public et au spectateur quelque chose qu'ils ne peuvent pas obtenir par eux-mêmes, quelque chose qui montre que ce n'est pas juste une personne grattant une guitare, mais une explosion d'énergie ou une harmonie de la réalité.
Il y a cette idée reçue que la photographie est un médium clarificateur, que ceux qui photographient des événements en direct cherchent des images nettes. Pour moi, ce n'est pas toujours ce que le photographe doit viser. La photographie, pour moi, est un médium d'abstraction, une sorte de fantôme de la réalité déformée en quelque chose de nouveau. Ce n'est pas la réalité, elle ne doit pas toujours chercher à simplement la refléter, elle doit aller au-delà. Peut-être que je deviens un peu trop philosophique.
Quel est ton prochain objectif pour ton travail photographique ?
Évidemment, je veux m'améliorer. Ce que ça implique exactement, je ne peux pas vraiment l'expliquer maintenant, mais je pense que je le découvrirai en prenant autant de photos que possible. Professionnellement, j'ai deux objectifs. D'abord, je veux photographier autant de groupes que possible et encore plus de matériel des groupes que j'ai déjà photographiés. Surtout YHWH Nail Gun, ces gars-là savent comment mettre en scène un spectacle en live. Ensuite, je suis aussi intéressé par la réalisation de photos de coulisses sur les plateaux de tournage. J'ai eu la chance de le faire plusieurs fois pour des amis et c'était toujours une expérience incroyablement gratifiante. C'est un environnement que j'aime presque autant qu'un concert. J'aimerais avoir une œuvre très vaste, c'est une idée très séduisante pour moi.
Y a-t-il autre chose que tu aimerais partager avec la communauté Lomography ?
Deux choses. D'abord, les effets dans mes photos sont toujours réalisés directement avec l'appareil. Je n'ajoute pas de filtres ni ne modifie quoi que ce soit en post-production, je me contente d'enlever les impuretés comme la poussière ou les cheveux et d'augmenter les noirs parce qu'ils sont souvent écrasés avec presque n'importe quel scanner, mais c'est tout. La lumière fait des trucs incroyables si tu la laisses rebondir. Ensuite, allez soutenir vos groupes locaux, ils font tout le boulot, je suis juste chanceux de pouvoir être là avec un appareil photo pour le mettre en lumière. Merci encore !
Merci beaucoup, Zak, d'avoir discuté avec le magazine Lomography ! Vous pouvez découvrir plus de son travail sur son compte Instagram.
écrit par chloefuller le 2025-05-07 dans #équipement #culture #Gens
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