Immortaliser le mouvement avec Ben Bradish-Ellames et le Lomo LC-A 120
1 Share TweetLe photographe et réalisateur britannique Ben Bradish-Ellames a forgé son style en tant que photographe de mode, travaillant avec des magazines tels que Cool America, Flannell et Noctis Magazine. Il se spécialise également dans la capture du mouvement, de la posture et de la performance des danseurs, utilisant régulièrement des films moyen format et grand format. Ben utilise un cadre de studio associé à la liberté et aux sérendipités offertes par la photographie argentique pour créer des images naturelles avec une esthétique riche et subtilement argentique.
Nous avons demandé à Ben de tester l'appareil photo Lomo LC-A 120 avec des pellicules de LomoChrome Purple 120 et de Lomography Color Negative 400 120. Il a expérimenté ces pellicules en studio en utilisant des expositions longues.
Bonjour Ben, peux-tu nous parler un peu de toi ?
Je suis photographe professionnel basé à Londres, spécialisé dans la danse et le mouvement. Récemment, j'ai aussi commencé à travailler dans la mode, surtout lorsqu'il y a un lien avec le mouvement. Passionné par l'argentique, je gère également un laboratoire photo non lucratif à Londres, où je soutiens les photographes et les imprimeurs.
Comment décrirais-tu ton style photographique ?
C’est une question délicate, peut-être mieux répondue par les autres. Je ne suis pas sûr de pouvoir décrire mon style précisément, mais je cherche à simplifier mes photos autant que possible. Comme le mouvement du sujet est central dans mon travail, je fais très attention aux couleurs utilisées. J’aime répéter les couleurs, limiter à trois teintes par photo, et je suis particulièrement attentif aux formes intéressantes créées par le mouvement. Pour mes photos en noir et blanc, j’apprécie les noirs profonds et la perte de détails, ce qui donne une vraie atmosphère. Je passe aussi beaucoup de temps à capturer les nuances dans les tons moyens et les hautes lumières… si l’on peut parler de style.
Quelle était l'idée derrière ces photos et comment t'es-tu préparé pour la séance ?
Une grande partie de mon travail se fait en studio, et le LC-A 120 n'est clairement pas un appareil de studio. Mais j'avais vraiment envie d'explorer comment je pourrais l'utiliser dans un contexte de studio et voir les résultats différents de son usage habituel. Comme il a des vitesses d'obturation et des ouvertures variables automatisées, il enlève une partie du contrôle nécessaire en studio.
Mais je voulais vraiment placer le LC-A dans un environnement qui lui est étranger. Je n'avais aucune idée si cela fonctionnerait ou non. Avec un trépied, un éclairage continu et un flash (stroboscope), j'ai pu maintenir son obturateur ouvert le plus longtemps possible, puis déclencher manuellement le flash pour essayer de capturer mon sujet.
Qu'as-tu pensé des résultats ?
J'étais vraiment étonné et surpris que cela ait fonctionné. Le taux de réussite était environ d'une photo sur deux, mais peu importe – je ne pensais vraiment pas que la méthode allait marcher, car il y avait beaucoup d'inconnues. Cependant, j'ai pu utiliser l'appareil en studio et obtenir d'excellents résultats qui conservent un certain caractère du LC-A 120.
De plus, j'ai beaucoup aimé les pellicules que j'ai utilisées. La LomoChrome Purple avait une belle désaturation, et la Color Negative 400 offrait de jolis tons jaunes et bleus, même si la couleur principale était rouge. J'ai probablement un peu surexposé les pellicules, car j'ai maintenu l'obturateur automatisé ouvert, mais je dirais que les deux sont assez sensibles à la lumière et que les couleurs ressortent vraiment bien quand elles sont bien éclairées. En temps normal, je fais des tirages pour voir le résultat, et je le ferai quand j'aurai le temps. Mais pour ces photos, j'ai numérisé les pellicules, et elles se sont bien scannées. Donc, au final, je suis vraiment content du résultat !
Des conseils pour les autres photographes qui souhaitent photographier des danseurs ou des figures en mouvement avec de la pellicule ?
Lancez-vous ! Plus facile à dire qu'à faire, je sais ! Mais voici quelques conseils que je suis toujours. Tout d'abord, oubliez le mouvement ou les mouvements en tant que tels, et concentrez-vous sur les formes intéressantes. Si vous photographiez un danseur, ne lui demandez pas de maintenir des poses statiques, car vos photos sembleront mises en scène. Faites-leur simplement réaliser 4 à 5 mouvements avec des transitions. Observez d'abord, puis photographiez lorsque le mouvement est répété une seconde, troisième ou quatrième fois. Vous verrez que ce sont les formes intéressantes qui produisent les meilleures photos, pas les mouvements ou poses corrects. Et pour votre information, je n'y connais rien en danse. Je sais juste ce qui rend les formes intéressantes.
Deuxièmement, acceptez que votre taux de réussite avec la pellicule ne sera pas de 100%. Plus probablement autour de 50% au début. C'est difficile à accepter, surtout avec la hausse des coûts de la pellicule. Mais vous pouvez rapidement améliorer votre taux de réussite en vous exerçant. La polyvalence de la pellicule rend la photographie du mouvement beaucoup plus fascinante que la photographie numérique, où tout semble trop parfait.
Troisièmement, il n'est pas nécessaire que tout soit parfaitement net. En cherchant des formes intéressantes, une mise au point douce peut être très belle. (D’ailleurs, mes deux photos les plus réussies de ma carrière sont toutes deux floues.) Enfin… n’hésitez pas à recadrer ! Photographiez une scène de danse ou de mouvement plus large que nécessaire, puis recadrez lors du scan ou de l’impression. Vous découvrirez des formes corporelles et des textures incroyables.
Pour découvrir davantage le travail de Ben, rendez-vous sur son site web et sa page Instagram page.
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